SÉRIE ARTETERAPIA CLÍNICA: O ARTETERAPEUTA, UM PROMOTOR DE ENCONTROS

Eliana Moraes (MG) RJ

naopalavra@gmail.com

Ao longo de 2017 me dediquei a pensar, escrever e compartilhar sobre a modalidade clínica dentre as práticas da Arteterapia. Destas articulações nasceu o ciclo de palestras “Série: Arteterapia Clínica”, ao qual sigo oferecendo em diversos espaços ao longo de 2018. 

Este ciclo nasceu a partir da fala de uma aluna: “Eliana, como saber quando devo usar cada material em um atendimento em Arteterapia? Quando saberei que devo usar colagem, pintura ou modelagem?” 

Esta pergunta saltou aos meus ouvidos até porque  percebi que não era a primeira vez que a ouvia, nos espaços de cursos, palestras e supervisões. De fato, a raiz da resposta se encontra no estudo aprofundado sobre as linguagens dos materiais, uma das disciplinas básicas do curso de formação em Arteterapia. Entretanto, o refinamento para a escuta clínica arteterapêutica é algo que é construído com o tempo de estudo e prática, pois se difere das modalidades semi-estruturada ou estruturada, típicas de vivências pontuais ou propostas breves, oferecidas principalmente para grupos: aqui, parte do arteterapeuta um disparador inicial para que o paciente/cliente projete de si e crie a partir deste "estímulo externo". Na clínica, o arteterapeuta recebe um paciente, ouve a demanda daquele sujeito e a partir desta escuta aciona algum material para oferece-lo, sendo este um facilitador expressivo e mobilizador de atos criativos, na arte e na vida.

Acatei o chamado desta e outras alunas e me dediquei a temática da clínica da Arteterapia em suas especificidades, até mesmo porque delinear a tênue fronteira entre ser uma psicóloga que eventualmente utiliza das técnicas expressivas e ser uma arteterapeuta propriamente dita é uma das questões que desenham minha identidade profissional. 

Neste pensamento, tenho usado a metáfora do arteterapeuta como um grande maestro que sustenta uma variedade de instrumentos, cada um em sua singularidade e potencial. Em uma orquestra temos os instrumentos de cordas, de sopro, de percussão, sons graves, agudos, de base, de solo... Cabe ao maestro ser conhecedor de cada um destes instrumentos para que em sua regência mantenha-os em harmonia e saiba o momento de fazer com que um deles, a partir do que lhe é próprio, no momento oportuno, seja o solista ou que permaneça no fundo dando sustentação aos outros. 

Assim se dá um setting arteterapêutico. A parti da entrada do 3º elemento – o material – na dinâmica relacional, uma gama de estímulos se abre nos campos verbal e não verbal, objetivos e subjetivos, conscientes e inconscientes. Neste contexto de uma escuta ampliada, própria do arteterapeuta, de fato a pergunta é estrutural: Como manejar os materiais e as técnicas expressivas de forma consciente e consistente? Quando investir em cada material/técnica? 

Naturalmente esta escolha não se dá de forma aleatória ou "irresponsável". Afinal, a natureza do material oferecido agirá de forma específica no autor:

“Todas as características dos materiais atingem diretamente quem usa, causando determinadas emoções que serão acolhidas na relação terapêutica. Entender essas características e as necessidades de cada pessoa é a chave para saber escolher o material adequado à situação.” (BRASIL)

Desta forma, cabe ao arteterapeuta o estudo teórico e prático das propriedades de cada material e linguagens da arte, pois cada uma delas possui suas “forças próprias”:

“Não basta comparar os procedimentos das mais diferentes artes: esse ensino de uma arte por uma outra não pode dar frutos se permanecer unicamente exterior. Deve ajustar-se aos princípios de uma e de outra. Uma arte deve aprender de outra arte o emprego de seus meios, inclusive os mais particulares, e aplicar depois, segundo seus próprios princípios, os meios que são só dela e somente dela. Mas não deve o artista esquecer que a cada meio corresponde um emprego especial que se trata de descobrir... Somos levados assim a constatar que cada arte possui suas forças próprias. Nenhuma das forças de outra arte poderá tomar seu lugar.” KANDINSKY

Aqui se da um ponto de responsabilização do arteterapeuta sobre a seriedade de seu oficio: aquele que oferece o material que promove o que Fayga Ostrower chamou de “intensificação do viver” do sujeito que cria. 

Mas a escolha deste material não partirá do olhar voltado para o próprio terapeuta mas a partir da escuta do sujeito que fala. A prática clínica da Arteterapia nos mostra que o paciente/cliente em meio ao seu discurso já “pede” o material de forma intuitiva. Ao arteterapeuta cabe a tarefa de saber ouvir este pedido, identificar o material e oferecer a técnica expressiva, contextualizada às demandas trazidas através de metáforas entre os conteúdos expressados e os materiais.

Cabe sublinhar ser estrutural que a analogia feita entre a demanda terapêutica e o material seja acessível e compreensível para o paciente/cliente pois somente assim ele poderá investir de si de forma plena para aquele agir. 

Concluímos que faz-se essencial a instrumentalização do arteterapeuta clínico quanto à dinâmica do setting arteterapêutico para o refinamento de sua escuta e manejo das linguagens dos materiais, investindo em uma profunda intimidade teórica e vivencial de suas propriedades e potencias. Somente desta forma poderá desempenhar seu trabalho de forma consistente em promover um encontro entre o sujeito que fala e o material pertinente, facilitador do caminho de autoconhecimento e processo arteterapêutico daquele que cria, na arte e na vida.

Atendendo este chamado, sigo engajada em compartilhar este fluxo de reflexões e articulações sobre a Arteterapia Clínica em palestras, supervisões, grupos de estudos e em textos para este blog. 

 Caso você tenha se identificado com a proposta do “Não palavra abre as portas” e se sinta motivado a aceitar o nosso convite, escreva para naopalavra@gmail.com
Assim poderemos iniciar nosso contato para maiores esclarecimentos quanto à proposta, ao formato do texto e quem sabe para um amadurecimento da sua ideia.

A Equipe Não Palavra te aguarda!

Referências Bibliográficas:

BRASIL, Cláudia. Cores, formas e expressão: Emoção de lidar e Arteterapia na Clínica Junguiana

KANDINSKY, Wassily. Do Espiritual na Arte

OSTROWER, Fayga. Criatividade e processos de criação

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Sobre a autora: Eliana Moraes

Arteterapeuta e Psicóloga. 

Especialista em Gerontologia e saúde do idoso e cursando MBA em História da Arte. Fundadora e coordenadora do "Não Palavra Arteterapia".Escreve e ministra cursos, palestras e supervisões sobre as teorias e práticas da Arteterapia.
Atendimentos clínicos individuais e grupais em Arteterapia.
Nascida em Minas Gerais, coordena o Espaço Não Palavra no Rio de Janeiro.

LEONILSON – Bordando a vida, as dores e os amores

Por Tania Salete – RJ, atualmente residindo em Fortaleza CE
taniasalete@gmail.com           

Introdução

           Em diversas partes do país há um intenso movimento de resgate desta tão antiga e prazerosa arte que é o bordado. Uma busca pelo seu encantamento e suas possibilidades, com cada vez mais jovens se interessando, revisitando diferentes técnicas com mais diversos intuitos, seja como atividade manual pura e simples, seja como atividade econômica para gerar recursos em meio a beleza dos pontos e linhas, seja pelo viés político e de denúncia contra abusos, como as Apilleras, citadas no texto anterior (CLIQUE AQUI), ou ainda para dar visibilidade de maneira criativa às suas ideologias tão marcantes em nossos dias. Entretanto, em praticamente todas as áreas o pano de fundo é o desejo de expressar as emoções, narrar as histórias, as dores, amores, alegrias, a vida. Enfim, é também um vislumbre de uma das técnicas utilizadas no universo da Arteterapia.

           Nosso convite hoje é conhecermos um artista natural de Fortaleza, Ceará, cuja obra tornou-se referência de arte contemporânea. Faremos um recorte na obra singular,  no que diz respeito ao bordado como técnica expressiva e que Leonilson soube utilizar com rara simplicidade e profundidade. 

José Leonilson Bezerra Dias nasceu em Fortaleza, em 1° de março de 1957. Quando tinha 4 anos, a família mudou-se para São Paulo. Cursou Educação Artística na FAAP, foi aluno de renomados artistas da época.  Em 1981, viajou para Madri e realizou sua primeira exposição individual na Galeria Casa do Brasil e em seguida foi para diversos países da Europa. Retornou em 1982 e começou a delinear sua carreira aqui, no Brasil dos anos 80, ainda no Regime Militar. Em 1985, o artista já havia alcançado reconhecimento público, tendo exposto seus trabalhos nas Bienais de São Paulo e Paris.

Participou do principal marco da tendência artística da época que foi a exposição “Como vai você, Geração 80?”, realizada na Escola de Artes Visuais do Parque Lage (RJ) ao lado de mais de cem artistas, como Leda Catunda, Sergio Romagnolo, Beatriz Milhazes e Luiz Pizarro. 

A trajetória de Leonilson é permeada por trabalhos considerados autobiográficos, com uma intimidade poética e verdadeira que toca e mexe com o imaginário e as emoções do público. Ele era visto por alguns como uma espécie de mito, anti-herói por suas ideias marcantes em relação ao mercado da arte: o artista abominava o mundo das galerias:  “...eu quero que meus trabalhos me levem a mim, e não a uma conta bancária”.

Seus textos, desenhos, pinturas e, sobretudo, os bordados eram uma maneira bem peculiar de declarar ao mundo seus sentimentos mais profundos e controversos, suas crises existenciais e relacionais, fazendo surgir uma obra permeada de pequenas confissões, como em um diário - além disso, um diálogo do artista com o espectador. Talvez, justamente por isso, a obra tenha esse toque de atualidade com nossas redes sociais, pois é visível que Leonilson deixava se expor, numa busca intensa pelo outro. 

Outra característica relevante encontrada em sua obra, são as variadas possibilidades interpretativas, como um ponto de reflexão pessoal que o artista desejava provocar em seu público.

 Em entrevista, relatada no livro Truth, Fiction, Leonilson responde:

“Acho que sempre há oportunidade de a pessoa parar e pensar um pouquinho no que está escrito ali, e eu tenho a impressão de que, por mais sutil que seja, sempre faz a pessoa refletir um pouco, porque isso também é uma característica da arte; é um ponto de reflexão.”

Em suas declarações, sejam pintadas, desenhadas, escritas ou bordadas, percebe-se um indivíduo extremamente sensível, perspicaz e atento ao mundo que o rodeia e às pessoas, com uma preocupação em relatar a verdade, “em dizer a verdade sobre si mesmo”. 

“De uns tempos para cá meus trabalhos ficaram mais maduros, ao mesmo tempo que penso mais sobre minha sexualidade, a forma de me relacionar com as pessoas, de encarar o mundo, de viver o dia a dia. Eu acho que o trabalho não deixa de ser um diário...”

Leonilson, (Truth, Ficton), 1994

No final da década de 1980, o trabalho de Leonilson, mais amadurecido avança para uma cartografia própria que se fundirá com diálogos com o corpo, os órgãos e sentimentos. O uso de várias técnicas demonstrava que o artista não se prendia necessariamente a um estilo, preferindo a mistura destas linguagens. Costuma se autodenominar como “andarilho”, “curioso” e suas peças como “objetos de curiosidade”. Mas, para final desta década, tem início uma dinâmica diferenciada em seu trabalho com inclusão de botões, pedrarias, costura e o bordado, imprimindo uma nova versão poética de suas obras. Os bordados passaram a ser, junto com os desenhos, a sua principal produção a partir de 1989, refletindo um retorno às tradições familiares. Seu pai era comerciante do ramo de tecidos e sua mãe costurava e bordava, junto com sua avó e irmãs. O bordado era uma atividade bastante natural para Leonilson.

 Em entrevista à crítica Lisette Lagnado, provavelmente sua última entrevista, Leonilson menciona a influência do trabalho do Bispo do Rosário e seu próprio prazer em costurar e bordar à mão:

            “- Você costura à mão?”

 - “É, porque o negócio da mão é o prazer de dar o ponto, de errar, de cortar e de voltar de novo. Se você reparar, tem um ponto para as letras... Um ponto grande e um ponto pequeno…”

“Quando vi a exposição do Bispo no Museu de Arte Contemporânea da Universidade de São Paulo, fiquei fascinado. Não consigo vê-lo como louco. Vejo o Bispo como uma pessoa normal, só que ele tinha uma história com ele mesmo que as pessoas não conseguem entender direito.”

Quando a Arte se junta à terapia e transcende

"Gigante com flores" 1992

           Foi em 1991 que Leonilson descobriu ser portador do vírus da AIDS, fato que desencadeou forte influência, mudança e inflexão em suas produções, projetando questões relacionadas à sua nova condição diante dos enfrentamentos que a doença lhe impôs.

           Interessante, pois justamente nesse período que a produção de Leonilson se intensificou, ficou mais encorpada, profunda e ainda mais  próxima das pessoas. O tempo era importante, produzir era forma de resistência e  arraigamento à vida. Devido às complicações, o artista desenvolveu uma alergia a tintas, (lembrei-me de Matisse 1869-1954), impossibilitando-o de usá-las. Entretanto, versátil e inquieto como era, o bordado já fazia parte de seu repertório há algum tempo, sendo apenas uma legitimação da técnica como algo bem natural,  usada até em seus últimos dias, pois segundo relatos de sua irmã Anna Lenice, mesmo estando hospitalizado,  bordava.           

Leonilson fez da arte seu principal recurso para lidar com a questão da AIDS. Voltou-se para si mesmo, e sua produção refletiu seu enfrentamento da doença, na qual os desenhos, bordados e palavras eram mínimos, como um relicário, mas com extrema potência. Ele foi retirando do seu interior, obras tão impactantes, verdadeiras e com tanta dignidade que emocionam e trazem reflexões sobre a vida, morte e o legado para mundo.

           São inúmeros trabalhos, mas alguns refletem bem este tempo, como O Perigoso,  instigando seu público a pensar sobre a condição de portador de AIDS naquela época. 

 “Eu sou uma pessoa perigosa no mundo. Ninguém pode me beijar. Eu não posso transar. Se eu me corto, ninguém pode cuidar dos meus cortes, eu tenho que ir numa clínica. Tem gente perigosa porque tem uma arma na mão. Eu tenho uma coisa dentro de mim que me torna perigoso. Não preciso de arma”. (Leonilson)

Lizette Lagnado, em entrevista com o artista, relata como Leonilson sentia-se  amparado pela sua arte e como era imperiosa a necessidade de expressar seus sentimentos:

   “Já estive bem mal, mas não penso em suicídio. Fico pensando que em qualquer situação do mundo, se você tem um pequeno suporte para fazer uma garatuja, vai ter sempre alguém que vai olhar para aquilo e ver a importância que você deu. (...) Acho que estou numa situação que não é muito fácil. Apesar de não estar com medo... Administrar qualquer tipo de vida já é muito difícil... Fico muito cansado. O trabalho me ajuda. Nele, coloco minha força. Ele não me deixa esmaecer. Fico fazendo esses trabalhos como orações, da mesma maneira que os hindus fazem bordados. É como uma religião que fornece os símbolos. Acreditando neles, você pode chegar a algum lugar. Nas religiões primitivas, há um repertório de objetos, você pode pintar o corpo, fazer performances, tudo se liga a uma entidade superior. Meu trabalho é mais guiado por esse sentido do que pelo valor estético. Isso não os impede de guardar uma sutileza.” ( Lagnado, L, pag 119)

           Nas palavras de Leonilson há  similaridades com as premissas do trabalho da Arteterapia quando discorre sobre como percebia a arte:

“(...) Da mesma forma não vejo razão para observar-se a arte com o conceito de feio ou bonito. Arte não é conceitual, ela pode quando muito ser dita ‘prática’ ou na boa forma, mas apenas nos casos específicos. Não existe arte feia ou bonita, pode haver maior ou menor integração de forma, cores, relevo, partes ou contornos, mas isso não implica em bonito ou feio, (...) toda arte é importante, ela é documentação de um momento de círculo vital e de uma corrente humana; ela deve ser livre expressão de um pensamento ou sentimento, sem pré-conceitos, padrões, vergonhas, futilidades e censuras básicas ou cortantes; ela deve ser solta, deve voar, pousar, atingir, coagir, educar, instruir e relaxar”.

(LEONILSON, 1978 – artigo de Renata Perim A Lopes, UFES)

Encerrando um ciclo

"O traidor" 1991

           Leonilson ilustrou entre março de 1991 e maio de 1993 para coluna da jornalista Barbara Gancia na Folha de S. Paulo, em torno de 102 desenhos que foram posteriormente agrupados no volume "Leonilson - Use, É Lindo, Eu Garanto".

           Faleceu em São Paulo, dia 28 de março de 1993 em decorrências de complicações da AIDS aos 36 anos, no auge de sua carreira artística.

           Em 2016, foi lançado o filme “A Paixão de JL”, sobre a vida e a obra do artista com direção de Carlos Nader, seu amigo pessoal, e que foi  vencedor do prêmio de melhor longa-metragem. O documentário está baseado em fitas cassetes que Leonilson gravou desde 1990, narrando os últimos dois anos de sua vida.

           Em 1994 a família e amigos criam o Projeto Leonilson que objetiva reunir toda obra do artista, catalogando e preparando para diversas exposições, perpetuando seu legado e para ser um centro de referência de pesquisa.

           Após 22 anos de árduo trabalho, o Projeto Leonilson em parceria com a Fundação Edson Queiroz da Universidade de Fortaleza (UNIFOR), lançaram em junho de 2017 o raisonné de José Leonilson.  O catálogo do artista tem três volumes, com 3.400 obras, 1.100 páginas, e foi considerado o primeiro do gênero dedicado a um artista brasileiro contemporâneo.

CONCLUSÃO

"Quem comprou a verdade" 1991

           Concluo, me solidarizando com a experiencia de José Castello, jornalista, escritor, mestre em comunicação pela UFRJ, diante de um bordado do Leonilson, pois fui capturada da mesma forma e essa sensação ainda permanece em mim. Creio que continuarei dialogando por muito tempo com essas obras, exatamente como Leonilson propusera.

“O diálogo sutil. A conexão invisível. Até que vem o susto. Creio, sempre acreditei, que toda conexão com a arte se dá através de um susto. É no choque; é em estado de choque que alguma coisa acontece. É do sobressalto que a arte arranca sua força. Sempre acreditei nisso: ainda assim, vem o escorregão.

         Foi assim, mais uma vez. De repente, em uma das paredes da sala, deparo comigo mesmo. Isso mesmo: ali estou eu, ali está meu rosto, bem à minha frente. Ele me encara. Noto, então, que minha face lívida está enquadrada por uma moldura discreta. No alto, no canto direito de minha testa, há uma palavra: "José". Um nome bordado sobre o nada que, só a muito custo, a moldura consegue conter. Custo a entender que estou diante de uma obra de Leonilson, um bordado com linha preta sobre voil, protegido por uma fina cobertura de vidro.” https://blogs.oglobo.globo.com/jose-castello/post/leonilson-a-palavra-566742.html

Caso você tenha se identificado com a proposta do “Não palavra abre as portas” e se sinta motivado a aceitar o nosso convite, escreva para naopalavra@gmail.com

Assim poderemos iniciar nosso contato para maiores esclarecimentos quanto à proposta, ao formato do texto e quem sabe para um amadurecimento da sua ideia.

A Equipe Não Palavra te aguarda! 

Referências Bibliográficas:

GOIS, Wilma F. -  AFETOS DA OBRA DE LEONILSON: ARTE E VIDA, MAPAS E ESCRITA  - Dissertação de Mestrado apresentada ao Programa de Pós-Graduação em Artes – UFC, 2015

PEDROSA, Adriano - Leonilson: truth, fiction, 1994, Catalogo do Museu de Artes da Universidade Federal do Ceará

 O POVO 80 anos – Artistas Plásticos Cearenses – Exemplar exclusivo do Museu de Artes da UFC

- MESQUITA, Ivo – Leonilson: Use, é lindo, eu garanto. 1997, Editora Cosac Naify

Lagnado, Lisette. "Entrevista com o artista: a dimensão da fala - In São tantas as verdades, 79- 136. São Paulo, Brazil: DBA Artes Gráficas; Melhoramentos, 1998.

- LEONILSON: A NATUREZA DO SENTIR - Dissertação apresentada ao Programa de Pós-Graduação em Artes da Escola de Belas Artes da Universidade Federal de Minas Gerais, como requisito parcial à obtenção do título de Mestre em Artes.

- Lopes, Renata Perim A – Leonilson – Bordado como expressão, 2015, Revista Colartes

Midias

- https://www.youtube.com/watch?v=PGJgzI3YV1I  (Debate sobre o filme "A Paixão de JL" | CINECLUBE UNIFOR)

- https://medium.com/revista-bravo/obra-de-leonilson-digitalizada-e-divulgada-continua-pulsante-8b95322f9a67

- https://blogs.oglobo.globo.com/jose-castello/post/leonilson-a-palavra-566742.html

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Sobre a autora:

Graduação em fonoaudiologia, pós graduação em psicopedagogia. Especialização em Arteterapia pela POMAR, Rio de Janeiro, atuando com grupos terapêuticos e de apoio em casa de recuperação feminina e masculina. Atualmente residindo em Fortaleza.

REFLETINDO SOBRE MONOTIPIAS

Por Liane Esteves - RJ
lianeesteves@gmail.com

As águas de Março lavaram minha Alma e os excessos, prepararam a terra para receber as folhas secas, que plenas de histórias adubarão o solo onde dormirão em sono profundo. Uma profusão de imagens emergirá dos sonhos e inspirará os rebentos da Primavera! E então novas emoções serão gravadas, novas impressões surgirão num ciclo ininterrupto de renascimento e morte, de cujas cinzas surgirão as novas estações.

Em um momento propício e fecundo, durante o recesso de carnaval de 2018, me recolhi com a finalidade de refletir sobre meus estudos recentes para uma série de oficinas que desenvolvi com o objetivo de pensar e praticar terapeuticamente a linguagem da gravura. Após meses de gestação dessas oficinas, que denominei “Gravando Emoções”, minhas percepções jorravam como as chuvas de verão. Um dia após a quarta-feira de cinzas acordei com as palavras brotando pelos poros. Com o lápis na mão deixei grafado esse turbilhão de pensamentos e emoções. Durante um mês, em sincronia com as águas de Março que fechavam o verão, cuidei e reguei essas emoções e reflexões em sua própria água, uma verdadeira solutio. Ao findar a estação, tinha concluído a primeira parte desse projeto, minhas impressões sobre a monotipia, cujo resultado eu partilho abaixo. 

            A monotipia é considerada uma técnica simples da gravura, consistindo na pintura de uma imagem sobre uma superfície plana (ferro, metal, vidro, madeira etc.), seguida de sua impressão em uma folha de papel. É tão simples que costuma ser usada em escolas com crianças bem pequenas. Porém tamanha simplicidade nos remete a reflexões bastante profundas revelando complexidades que nos escapam em uma observação superficial. Compartilho da opinião de Oscar Wilde* quando disse: Adoro as coisas simples. Elas são o último refúgio de um espírito complexo.

Se formos pensar na complexidade de nossos pensamentos e ações, não pensamos, escapamos. É nesta fuga que as imagens nos inundam, vindas de um inconsciente reprimido e sombrio. Elas vêm em sonhos, pinturas, desenhos, colagens, modelagens, poesias e onde mais permitirmos. São estranhas, incompreensíveis, enigmáticas e muitas vezes tão bonitinhas que nos permitimos enganar com sua beleza, fofura e graça. Desviamos o olhar daquilo que é potente, da mensagem oculta por onde deveria ir o pensamento. Simplificamos! E ainda completamos com frases como: Tá tão bonitinho...; Ihhh tá horrível...; Não sei fazer isso...; Credo que horror...; Adorei...; Amei...; Não entendi nada...; Que doideira... Depois simplesmente jogamos fora, guardamos na gaveta, enfiamos embaixo do tapete, ou deixamos esquecido em qualquer canto escuro e profundo. Ahhhhhh, respiramos aliviados! Pronto, resolvido! Será?

Andei pensando num remédio para isso, um remédio bem simples para cuidar das coisas que insistimos em simplificar. Algo parecido com o princípio da homeopatia: semelhante cura semelhante. O remédio chama MONOTIPIA, aquela mesma que expliquei ali em cima, lembra? Simples, tão simples, que até criancinha faz (sem desmerecer as crianças, por favor)!  A cura? Esta acontece quando compreendemos a frase de Oscar Wilde, ou quando uma pulga atrás da orelha nos faz levantar o tapete e ver quanta coisa tem ali debaixo. Na realidade, vamos levantar a folha de papel (e não o tapete) para ver o que aparece! Explicarei melhor na receita do bendito remédio que coloco a seguir.             

Passo a passo para fazer uma monotipia:

1- pegue uma superfície plana (ferro, metal, vidro, madeira etc.) menor ou igual ao tamanho de uma folha qualquer de papel (de preferência com maior gramatura);

2- faça uma pintura sobre ela com guache ou outra tinta que disponha;

3- pegue a folha de papel e coloque delicadamente sobre a pintura;

4- passe a mão por cima de toda a folha, fazendo certa pressão para absorver a tinta e a pintura que você fez;

5- retire delicadamente a folha, puxando por um dos cantos;

6- observe a imagem que ficou impressa na folha; 

7 - observe como ficou a pintura original sobre a superfície que pintou. Se desejar continue imprimindo outras folhas, quantas quiser ou até não sair mais tinta nenhuma. Estas impressões são chamadas de fantasmas (você vai descobrir por que).

Simples, não?

Um detalhe é muito importante nas monotipias: você pode se automedicar à vontade e sem efeitos colaterais, mas nada disso vai funcionar se a base do processo não for um caminho focado no autoconhecimento e conduzido por um bom arteterapeuta ou psicoterapeuta que utilize as linguagens artísticas em seus atendimentos. O mínimo que pode acontecer é você se divertir bastante, mas também pode se chatear se não gostar de surpresas, pois elas acontecem em monotipia. O máximo e o desejável de acontecer é descobrir um atalho para o refúgio das complexidades, parafraseando Oscar Wilde. É pegar o ego no pulo!

Por coincidência (sincronicidade, como diria nosso caro Jung) o item sete do passo a passo que criei acima é justamente a etapa que revela os fantasmas! Incrível, não? Lembrem-se que o sete é considerado um número sagrado, místico e mágico. Mas não tem magia nem sobrenaturalidades, são vestígios, pistas. Cá para nós, acho que tem muita alquimia, mas isso já é outro papo.

 O que de fato acontece no item sete da monotipia é que as imagens impressas são fantasmas ou vestígios da pintura original. A cada nova impressão os vestígios ficam mais tênues, os excessos vão sumindo e revelando aquilo que é simples e que ficou perdido em nossa complexidade. Ou então, revelando nossa complexidade de forma muito simples.

É simples, porém complexo ao mesmo tempo. Tentarei elucidar alguns aspectos desse processo.

Inicialmente gostaria de esclarecer que o termo monotipia sugere apenas uma impressão (do grego: monos – um e typos – impressão). Mas não precisamos ficar limitados à nomenclatura, podemos chamar os fantasmas para ajudarem a clarear a situação e limpar os excessos.  Edgar Degas (1834-1917) fez belíssimas obras a partir de fantasmas, só para citar um exemplo na história da arte.

Em se tratando de processo terapêutico, a primeira impressão da monotipia já é bastante reveladora. Em primeiro lugar porque ela traz a imagem invertida da pintura feita, como num espelho. O que se pintou sobre a placa se mostra diferente ao levantarmos a folha, está ao contrário e causa surpresa, às vezes até estranheza. As nossas verdades absolutas nos pregam uma peça, percebemos a realidade por outro viés, enxergamos por outro ângulo forçosamente, pois o que fizemos originalmente não é o que se revela para nós. Temos a possibilidade de ver o outro lado da moeda, analisar de outra forma o que foi feito. Será que o que fazemos tem apenas uma versão, será que podemos pensar e ver nossos gestos e atitudes de outra maneira? É bastante interessante sugerir a monotipia para pessoas que não conseguem perceber situações de forma clara, para as que estão habituadas a agir sempre da mesma forma com padrões fixos e enrijecidos, ou para os perfeccionistas. Mas também funciona em outras situações, pois é uma oportunidade de avaliar e ver uma nova perspectiva, de criar novas formas de atuação a partir de um olhar diferente ou invertido sobre o que se faz, de criar novos caminhos e soluções, de descobrir que pode haver uma forma mais interessante de pensar. Também podemos nos questionar quanto à nossa impressão sobre nossas atitudes e como na verdade elas se mostram na impressão feita sobre a folha. O que fazemos? Como se revela? Como impressionamos, ou como nos deixamos impressionar, também são reflexões possíveis e cabíveis na monotipia.

As demais impressões ou os fantasmas são depurações. A imagem vai sumindo até desaparecer completamente, se prosseguirmos com o processo. Vamos retirando matéria, camadas de ilusão que construímos ao longo da vida, vamos clareando e simplificando as situações.  Às vezes basta um fantasma para dar conta do recado, outras vezes pode-se precisar de mais alguns. Não tem receita de bolo, depende de cada caso. 

Eventualmente o impacto das impressões pode ser grande e é sempre prudente oferecer outros materiais como lápis de cor, pastéis ou canetinhas para aplicar sobre a monotipia seca. É um momento importante de resgates e constatações, de corrigir falhas, de dar novas cores e formas ao que se revelou.

O gesto ao pintar e imprimir é bastante simbólico e denuncia comportamentos rotineiros nas mais variadas situações. Podemos colocar muita ou pouca tinta, movimentar o pincel de forma ampla ou restrita, pressionar delicadamente o papel ou colocar todo o peso do corpo sobre ele. A tinta pode escorrer e extravasar pelas bordas do papel, pode ser suficiente ou insuficiente. Podemos nos decepcionar, surpreender, encantar, questionar...Cada gesto gera um resultado e cada um revela um modo de ser. Quanta riqueza de detalhes, quanta subjetividade e informação gravadas numa folha de papel com uma técnica tão simples.

Enfim, adoro as coisas simples. Elas são o último refúgio de um espírito complexo! Gratidão Oscar Wilde, por inspirar-me nessas reflexões sobre a monotipia, a vida e a arte e, constatar que a simplicidade da vida e da arte pode nos conduzir à descoberta de nós mesmos, e ao mesmo tempo abrigar nossa complexidade e multiplicidade.

                                                                                                                                  
 * Oscar Wilde (1854-1900) foi um influente escritor, poeta e dramaturgo britânico.

Referencias Bibliográficas:

ARGAN, Giulio Carlo. Arte Moderna. São Paulo: Companhia das Letras, 1992.

ARIEIRA, Gloria. O yoga que conduz à plenitude. Rio de Janeiro: Sextante, 2017.

EDINGER, Edward. Anatomia da Psique: o simbolismo alquímico na psicoterapia. São Paulo: Cultrix, 2006.

OSTROWER, Fayga. Universos da Arte. Rio de Janeiro: Editora Campus Ltda., 1984.

Shrimpton, R. H. Monotipia: Uma investigação Técnica e Artística. Algarve, 2012. Dissertação (Mestrado em Comunicação, Cultura e Artes) - Universidade do Algarve,129 págs. Disponível em:https://sapientia.ualg.pt/bitstream/10400.1/3522/1/Monotipia170513.pdf

VON FRANZ, Marie-Louise. Alquimia- Introdução ao simbolismo e à psicologia. São Paulo: Cultrix, 1980.

Weiss, L. (2003). Monotipias, algumas considerações.  Cadernos de [gravura], Campinas nº 2, p. 19-27,Nov.2003. Disponível em: https://www.iar.unicamp.br/cpgravura/cadernosdegravura/downloads/p2_GRAVURA_2_nov_2003.pdf                                                          

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Sobre a autora: Liane Esteves

Arteterapeuta e Arte-educadora, especialista em História da Arte e pós graduanda em Psicologia Junguiana.
Faz  atendimentos individuais e facilita oficinas e vivências em Arteterapia. Leciona Artes Visuais na rede pública de ensino do Rio de Janeiro.

Tem interesse em Arte, Psicologia, Yoga, Vedanta, Espiritualidade, Sustentabilidade, Cinema, Dança e Paisagismo.
Acredita na Harmonia, Amor e Respeito entre os Seres.